――音楽性はどのようにまとまっていったのでしょうか。

$till.J.Cark：音楽を始めたのが結構遅めで、21歳の時。2018年からですかね。最初は「カーキ」って名前で、地元長野でずっとラップしてて。

その時はBoom Bapでした。Boom Bapの中にLo-fi要素があるのもあれば、今と一緒かも。がっちり系もあれば歌う系もある、みたいな感じですね。

直近のEPで特に気に入っているのは「few minutes」の2バース目ですかね。

RAPSTARに応募してボツったのを消化しようって曲。

ワンバースとツーバースでアプローチの差が激しくて、成長を感じます。

半年前は「なんでこれで受かんねえんだよ」って思ってたけど、今思うと「それは受かんねえわ」。今の方がやべえ。

最近は「売れたい」だけがゴールじゃなくなって、売れて次、次、って感じです。貧乏だったから、貧乏なやつ減らしたい。

努力できるやつが上がるべきだけど、努力できる環境は平等にしたい。

スタジオ無償とか、そういうのが俺が死んでも残る。そんなことを日々考えています。

――東京という場所も影響していますか。

$till.J.Cark：かなりあると思います。例えば早朝の東京って、人も少ないし、光も柔らかくて、全然違う顔を見せるじゃないですか。

その一方で、夜は全く違うエネルギーがあって。そういう両極端な空気が、そのまま曲の構造に出ている気がします。

――海外での経験についても教えてください。

$till.J.Cark：アメリカに行った時の影響は大きかったですね。きっかけでいうと、四大卒業して新卒で地元のベンチャーっぽい建築会社に入って、リフォーム営業を一年半やってたんです。

普通にスーツ着て仕事して、13時間拘束とか当たり前で。あまり楽しくなくて、結構絶望してましたね。でも休みの日は遊んだりしてて、なんとかやってる感じでした。

でもある日たまたま定時ぐらいに帰れて、家に帰るのもなぁと思って古着屋の先輩の家に行ったら、そこにロサンゼルスから帰ってきてた人がいて。

その人がケンボウさんという人で、ロサンゼルスの寿司屋のマネージャーの人なんです。

俺、海外は絶対行きたいって漠然と30歳にはアメリカ行こうと思ってたから話を聞いてて、「アメリカ行きたいんですよ」って言ったら、コロナで人を削ってたけど明けて人要るから働く？ってその場で言ってくれて。

でもビビるじゃないですか？サラリーマンやってるし。

「行くとしてもお金ないな」って。貯金一円もなかったし。

そしたら先輩が家に住まわせてくれることを言ってくれて。しかも家賃もいらないって。

働ける場所と住める場所が決まった。

でも、学生ビザを取るために学費の金がいる。俺ない。

そしたら古着屋の先輩が「利子なしで貸す」って。さらに残高証明が必要で口座に300万必要なんだけど、そこにいた大家さん（不動産やってて、俺が働いてた会社のOB）が「300万出してあげる」って。

全部揃ったわけ。

「お前宝くじ当たったぞ。今晩行くか行かないか今日決めろ。行かないならお前ずっと行かない」って言われて。

その日に親友に電話して「俺ロス行くわ。俺が日和ったら言ってくれ」って覚悟決めて、「よろしくお願いします」って。次の日に市役所行ってパスポート取りました（笑）

そこから半年ぐらいで仕事辞めるとかあって、実際ロサンゼルス行けたのが2021年ですね。

アメリカを経験して、殻が破れたというか、好きなものを好きって言える、嫌いなものを嫌いって言えるようになりました。

海外行くの、マジででかい。

ただ、日本をヘイトして「アメリカはこう、日本は古い」とか言うの、俺カッコいいと思えなくて。ネガティブだし聞きたくない。

俺はそれだけにはなりたくないって思っていました。拠点日本で、ちょくちょく海外出れるのが正解だと思えました。

ー今の日本のシーンで思うことはありますか？

$till.J.Cark：家族感がありますね。やばいやつをフックアップしようって言うけど、「やばいやつと仲いいやつ」の方が評価されやすい印象。

ラップだけ頑張ってても難しいのかなと思います。飲みに行くとか繋がり作るとか、音楽以外のパワーが必要すぎる気がします。

さまざまなメディアも実力で最終選ぶと思うけど、映る人は仲良ければ出れちゃったり、ビジュアルも大事だったり。

でも俺はド直球に行きたいです。ラップで売りたい。

――SHOW ME THE MONEY12出演に至って、感じたことはありますか？

$till.J.Cark：韓国のラッパーは全体的にスキルが高く、人数を集めてもレベルの高さを感じました。一方で、技術的に優れている反面、「うまいだけ」と感じることもあり、アイドル文化の影響から音としての完成度が重視されている印象がありました。

それに対して日本のラッパーは、キャラクター性や生活に根ざしたリリックが特徴的で、よりリアルさを感じられる点に魅力があると思います。

――楽曲制作におけるアプローチについて教えてください。

$till.J.Cark：ジャンルにはあまり縛られないですね。その時に興味があるものを取り入れていく感じです。

クラブミュージックの影響もありますし、日常の中で感じるものもあるし、それが混ざっていくのが自然だと思っています。

――変化を感じる部分はありますか。

$till.J.Cark：昔はもっと「こうしなきゃ」という意識が強かった気がします。でも今は、もう少し自然に任せるようになりました。

音楽で生きていくということに対して、自分の中で納得感が出てきたのも大きいと思います。

――主催イベントであるGOOD MORNING TOKYOについても教えてください]

$till.J.Cark：最初は3人で始めて、今は自分とRAFBOY、Roy’s clubの4人体制でやっています。実質的なブレインはRAFBOYですね。彼とはアメリカに行く前に親友の紹介で出会って、最初は軽く話すくらいの関係でした。

パーティーとして一番大事にしているポリシーは「肩書きを脱ぎたい」ということです。東京って、社交の場ですらチャンスを掴む場所みたいになっていて、純粋に楽しめる場が減っていると感じていて。自分自身もそれが嫌でクラブに行かなくなった時期がありました。

だから、誰が有名とかおしゃれとかはどうでもよくて、ちゃんと遊べるかどうかを大事にしたい。そのためにお酒もフリーにして、お金がない人でも来られるようにしています。

トゥクトゥクでDJミックスを流しているのも、「他のイベントがやらないことをやろう」「セオリーから外れよう」という発想からで、知り合いが持っていたトゥクトゥクを借りて、「渋谷走ったらおもしろそうじゃない？」っていう流れで始まりました。

今後については、基本はDJ中心でやっていきたいと思っています。コラボはありつつも、軸はDJです。ラッパーに比べてDJは出る場や登竜門が少ないというのも理由の一つです。

あとは、お客さんの満足度も大事にしたくて、ライブが続くとトイレに行けなかったりお酒を買えなかったりするのが嫌で。なのでライブは多くても2アーティストくらいにして、あくまで社交の場として機能するイベントにしていきたいと思っています。

――影響を受けたアーティストはいますか？

$till.J.Cark：最初に「ラップかっけー」と思ったのはG-DRAGONで、単なる早口ラップではなく動き方や表現全体に惹かれたし、高い声の使い方も新鮮でした。あとChris Brownの存在も大きかったです。

実際にプレイヤー側になってからは、ライブでいうとJin Doggさんがパーフェクトだと感じていて、自分をラフにデリバリーしながら「個性がない人はいない」という空気を自然に出しているところに影響を受けています。音楽的にはA$AP RockyやDenzel Curryが最近特に好きで、ファッション面でも影響を受けています。

人のライブを見て「この人のライブ行きてえ」と思うことはあまりなくて、むしろ見ていると自分が立ちたくなってモヤっとするタイプだった。ただ唯一、Travis ScottとKanye Westのベルーナドームでのライブを見たときは初めて「やばい、泣きそう」と感じるほど衝撃を受けたのをよく覚えています。

――今後についてはどう考えていますか。

$till.J.Cark：あまり明確な目標はなくて。その時その時で面白いと思えることをやっていけたらいいなと思っています。

――大切にしていることは何ですか。

$till.J.Cark：「身軽でいること」ですね。

環境や人との出会いによって変わっていける余白を持っていたい。大きな成功というよりは、自分の中で納得しながら続けていけることを大切にしたいです。

都市の朝と夜、そして海外での体験を特別なものとしてではなく、あくまで地続きの日常として捉える$till.J.Carkの視点。その身軽さと自然体のまま、彼の音楽はこれからも更新されていくだろう。

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轟音のノイズギターと、初音ミクの透き通るような歌声が溶け合う「ミクゲイザー」。そのシーンにおいて独自の音世界を拡張し続けるnerdnekoが、新作EP『never mind』をリリースした。

本作のテーマは「遠い未来への祈り」。海外ツアーの中止や不安定な世界情勢など、彼自身が直面したネガティブな感情を背景に持ちながらも、そこから生み出された音像は決して悲観的なものではない。「気にしないで」という言葉の裏に込められた「自ら手放す強さ」と、ノイズの海を漂うような優しい祈り。

前作からさらに深化を遂げたサウンドプロダクションと、各楽曲に込められたパーソナルな真意について、nerdneko本人に話を訊いた。

――今作のテーマは「遠い未来への祈り」とのことですが、前回のインタビュー以降、どのような心境の変化やインスピレーションがあってこのテーマに行き着いたのでしょうか？

nerdneko：12月に予定していた中国巡演が中止になってしまったことや、世界情勢の不安定さ、身の回りで感じる理不尽なことなど、少しネガティブな要素に目がいってしまう時期があり、大枠として何か救いがある作品を作りたいと思ったことが発端です。

――タイトルの『never mind』には、「気にしないで」という言葉の裏に「自分の手で“手放す”強さ」という力強いメッセージが込められていると伺いました。この言葉をEPのタイトルに冠した理由をお聞かせください。

nerdneko：「気にしないで」と言って自分で抱えてしまう、無理をしてしまう強がりや諦観などに対して、自らが主体として選択、行動できる、ある種の「強さ」みたいなものを肯定したいと思ったからです。語感の良さ的な要素もあります。

――soyatuさんが手掛けたジャケットイラストも、本作の「感情の余白」を見事に表現しています。視覚的なイメージについて、制作時にどのようなすり合わせを行いましたか？

nerdneko：依頼時にはまだ構想段階で楽曲群が完成していなかったので、写真と人物の視覚的な要素からお願いをしました。ラフの時点でかなり解像度の高いものができており、寧ろメインビジュアルから音の雰囲気が形成された流れでした。soyatuさんのイラストにはいつも沢山インスピレーションをもらっています

――M1「utopia」： アルバムの幕開けを飾る楽曲ですが、ここから『never mind』の世界へリスナーを導くにあたり、どのような音像や景色をイメージして制作されましたか？

nerdneko：冷たく神聖な音像と遠い記憶のような景色を意識して作りました。ジャケ写の背景は廃墟遊園地で撮影したものなのですが、そこで得た”栄華と退廃”といったコントラストや“遠い未来”といったインスピレーションをそのまま音に落とし込んでいます。ディストピアで夢見るユートピア的な。初音ミクの語りには無機質さとは裏腹にどこか寂しさや神聖さを含んでいると思い、雰囲気を演出する導入SEのようなニュアンスで作りました。

――M2「never mind」： 表題曲として、轟くギターと初音ミクの祈るような歌声のコントラストが特に印象的です。この曲で一番こだわったポイントはどこでしょうか？

nerdneko：メロディとビートをこだわりました。特にドラムのフレーズや音作りは過去作の中でも1番作り込んだと思います。メロディは毎回力を入れていますが、テンションを多用したコードワークと滲むようなギターのシューゲイズサウンドに埋もれない力強さを意識しました。特にお気に入りの楽曲です。

――M3「unletting」： 「手放せない（unletting）」というタイトルが、EPの「手放す強さ」というテーマと美しい対比になっているように感じます。この曲のEP内での立ち位置を教えてください。

nerdneko：おっしゃる通りテーマ、タイトルとは対照的で矛盾を孕んだ楽曲にはなりますが、まさにその”葛藤”の部分で意味を持った曲になります。作品に人間らしさを込めるにあたってひとつ重要な構成要素となっています。

――M4「winter song」： EPの中盤にこの曲が配置されることで、少し空気が変わるような印象を受けます。この楽曲に込めた情景や感情についてお聞かせください。

nerdneko：この曲の配置は迷いましたが、前半が想定より少し暗めになっていたので、霧が晴れるような疾走感と冬の空気感を意図して置きました。私は雪国生まれなのですが、陽が落ちた後の雪の青さがとても綺麗で、冬の曲として表現したいものがやっとできたと思います。

――M5「ether」： 「ether（エーテル）」というタイトルからは、透き通った空気感や空間的な広がりが連想されます。サウンドメイクにおいて、特に意識したことはありますか？

nerdneko：透明感とノイズの両立を意識して作りました。後述しますが、如何に攻撃的でなく歪みを使うか、といったところは今回全体的な制作テーマとしており、この曲でも包み込むようなノイズの飽和感を意図してます。M1同様初音ミクの語りが入っていますが、また異なる印象にできあがったと思っています。

――M6「prayforyou」： 最後に「あなたへの祈り」で締めくくられる構成が素晴らしいです。この曲の最後の残響が終わった後、リスナーにどのような余韻を残したかったのでしょうか？

nerdneko：ありがとうございます。基本的に解釈は聴いてくれている人それぞれのものが正解だと思っていますが、この曲は純粋に優しい気持ちになれたらいいなと思います。これは今年1月にblue web.（yaginiwaとの音楽ユニット）で韓国ライブ遠征の機会があったのですが、そこで感じた感謝や祈りのような気持ちから広げて書いた曲です。音楽を通じて国境を越えて伝わるものがあることが嬉しくて、その感動と熱を込めて帰国後すぐ作りました。

――轟くギターのレイヤーと深い残響が本作の核になっていますが、機材の選定やミックスダウンにおいて、過去の作品からアップデートされた点や新たに挑戦したことはありますか？

nerdneko：大幅な機材アップデートは無いのですが、ギターサウンドに関しては今回初めて使うファズや空間系エフェクターを導入しています。“刃物を正しく使う”ではないですが、歪みを如何に攻撃的ではないように使うか、というところを今回意識した音作り、ミックスダウンを行ってみました。しばらく海外のバンドサウンドを熱中して聴いていたこともあり、結果的にサウンド面ではこれまでの作品とは少し異なる立ち位置のものができたと思います。

――分厚いシューゲイズサウンドの中で、初音ミクの声を埋もれさせず、かつ淡く浮かび上がらせるための調声（チューニング）のこだわりを教えてください。

nerdneko：優しめのミクボイスを選んだ点と、EQと空間系プラグインで馴染みを試行錯誤しました。声が細過ぎても埋もれてしまうので、主張し過ぎず、埋もれないバランス感を今回特に意識しています。歌詞を聴いてほしい、といったところは今作も変わらず根底にありますので、引き続き探りつつ各作品の正解を見つけていきたいです。次回はもう少しミニマムなトラック編成の中での調声に挑戦したいと思っています。

「歪みをいかに攻撃的ではないように使うか」というnerdnekoの言葉通り、『never mind』に広がるノイズはどこまでも深く、そして温かい。葛藤や理不尽な現実を飲み込みながらも、音楽という祈りを通じて「手放す強さ」を選択した彼のスタンスが、このEPには色濃く刻まれている。

国境を越えて熱を帯びるミクゲイザーシーンの中で、彼が次にどのような景色を見せてくれるのか。遠い未来へ向けられた優しい祈りの残響は、アルバムを聴き終えた後も、リスナーの心の中で長く鳴り響き続けるはずだ。

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3年半の時を経てリリースされる、にしなの3rdアルバム『日々散漫』。21曲というボリュームを「日々と散漫」という二つの軸で編み上げた本作は、彼女の何を変え、何をそのままに残したのか。制作の裏側、そして一人の人間としての死生観まで、現在の彼女の言葉を記録した。

3rdアルバム『日々散漫』の構造

――今回、改めてこのアルバムの名前を『日々散漫』にした理由、そしてディスク1・2で分けている意図を伺えますか。

にしな：本当3年半ぶりで、気づいたら曲が溜まってアルバムを出さなきゃ、みたいな形だったんですけど。21曲どうやってまとめようかって考えた時に、タイトルで悩んで、曲をつるっと通していっぱい聴いている中で2つの軸が見えてきて。一個が本当に日常的な側面、もう一つが混沌、カオスチックな部分が自分自身なのか楽曲なのかを成立させてるなと思って、その二軸をガッチャンコさせて、なんとなく『日々散漫』っていう言葉が出てきて。これだったらアルバムがまとまりそうだな、ということでタイトルになりました。

で、どういう風にまとめていこうかっていう中で、せっかくなら「日々」と「散漫」っていうディスク2つに分けてまとめるのはどうかなっていう案があって。日々と散漫っていう2枚なんですけど、そんなに「1枚目が日々の曲です」「2枚目が散漫の曲です」っていうほどの縛りはなく。1と2、それぞれで聴いても、繋げて聴いても、なるべく飽きないような波を作るということを大切にしながら組み立てていきました。

――各ディスクから、象徴的な曲を挙げるとしたらどれですか。

にしな：今の気持ちで「日々」なのは『weekly』、「散漫」は『パンダガール』っていう気持ちです。

『weekly』は、自分が学生時代とか、月曜始まるの最悪みたいなあのサイクルを表現する中で、でもまあ全部ひっくるめていいんじゃない、楽しめていけたらいいなって思って書きました。

『パンダガール』は、頭から「チクタクチクタク」とか言い始めてる時点で、ちょっと頭がおかしそうな気がしてるんですけど。この曲自体アニメ『らんま1/2』のエンディングテーマとして書いた曲なんです。らんまの世界観って、男が女になるとかパンダがお父さんになるとかわけわかんない世界で。そのひっくり返していく様を楽曲でも楽しめたらいいなぁと思って、空間の上下左右もそうですし思想性別の上下左右もごちゃ混ぜになったらいいなぁと思って書いたので、一番散漫とした曲になっているんじゃないかなと思います。

楽曲へのアプローチと変化

――『婀娜婀娜』は、トラックがヒップホップやハイパーポップの要素があるなと思ったのですが、挑戦したきっかけは？

にしな：『婀娜婀娜』に関しては、もともとアフロビートっていうビートのジャンルにチャレンジしたい気持ちがあって。振り返ると幼少期は自分の母とかは結構洋楽ばかり聴いていて、R&Bとかブラック系の音楽が流れてたので、後ろ乗りのこのビート感みたいなのは元々好きで。

その中で、近年アフロビートをJ-POPでやってる人はいないんですけど、日本の中でも特にヒップホップの人とかはやってたりとかして。自分がこのビートに対してアプローチしたらどうなるんだろうなぁっていう興味がずっとあったので、「アフロビートやりたいんです」っていうのをいろんなところで言ってて。で、Yaffleさんに「やってみたいんですよね」ってお伝えして、一緒にスタジオ入ってトラックを作って、持ち帰って曲にしてった感じです。やってみたいことにトライしてできた曲で、アルバムにもタイミング的にすんなり入っていったかなっていう感じですね。

――『音になっていくよ』の出だしを聴いた時に、デビュー曲『ランデブー』をセルフサンプリングしているなと感じました。

にしな：この曲を作っていくうちに、めっちゃ『ランデブー』の曲みたいだなって。メロ作ってても、コード進行が一緒なのかもしれないんですけど、頭の中にどうしても『ランデブー』が浮かんじゃって。最初はそれが良くないかなと思って、いろんな人に「こういう曲ができたんですけど、ちょっとランデブーに聞こえませんか」って。全然気にならないよっていう人もいれば、確かにね、みたいな人もいて。

どうしようかなって考える中で、これは思い切ってセルフサンプリング的な冒頭にしてもいいのかなって。ふとそこにどんな歌詞をはめるか悩んでたので、そういうアプローチをしても、それこそずっと聴いてくれてる方が「これはあれだ」って楽しんでもらえたら嬉しいですし。3枚目だからこそ、1枚目の曲から引っ張ってきても面白いかなと思ってあんな感じにしてみました。

――『ランデブー』の頃と、今の心情を比較して感じることはありますか。

にしな：自覚的に制作時にこういう変化がありましたっていうのはあんまりないんですけど、『音になっていくよ』を作る中で、「やっぱり曲を作ってご飯を食べて生きていくんだな」って自分自身に納得感が出てきたからこそ、日々の中で人とのコミュニケーション、家族だったり友達だったり好きな人だったり、そのズレも噛み合う時も音楽にしていこうっていう思想が出た曲で。よりミュージシャン的な日々を出したのはこの曲が一番最初だったかなとは思っています。今だからこそ書く『音になっていくよ』なのかなと思いました。

音楽探求と「狂気」の正体

――音楽活動を始めてから今に至るまで、聴いてほしい人への心情の変化はありましたか。

にしな：そこはあんまり変わらない気がしていて。曲を作り始めた高校生の頃は人に向けて作っているわけではありませんでした。聴いてくれる方が少しずつ現れてからは、自分の日々の中で曲を残して、誰かに届けばいいなっていう気持ちは変わらずやってます。

――今聴いているジャンルで、新しく加わったものはありますか。

にしな：新しい出会いは常に探すようにはしてますね。探求を忘れちゃうと、昔聴いてた曲で止まっちゃうので。ダウナーなメンタリティーのものも聴くし、「お散歩行こうぜ」みたいな犬のお散歩の曲も聴くし。先入観を持たずにいろんな音楽を聴けるようになっている気がします。

――プロフィールにある「儚さと狂気を内包する」という言葉について。今作で「狂気」が出たと思う部分はありますか。

にしな：こんな自分のプロフィール照れますね、自分で言ってるわけではないから（笑）。

もし自分で何かそこに対して答えるとしたら、やっぱ紙一重だと思うんですけど。例えば『グローリー』だったらピースを求める裏側で、自分たちは本当には見たことないけど目を背けたいことも起きているっていうことも、狂気とも近い部分もあるのかなって。その次の『Twinkle Little Star』だとしたら、自由って何なんだろうって考える時に、極端な言い方ですけど、死んでしまうこともその人の自由じゃないですか。だけどだからこそどこまでも行けると思うし。それも紙一重で、狂気であり生きることの喜びでもあるのかなとは思います。

東京の景色、海外の生命力

――東京生まれ東京育ちのにしなさんにとって、東京という街はどう見えていますか。

にしな：小さい頃はそんなに何かを思うことじゃなかったんですけど、違う国や県から上京してきたり、いろんな方々と出会う中で、東京に対するイメージって本当に人それぞれだなと思って。私にとっては、年々地元なんだなっていう実感はより湧いていて、自分にとっては温かい街、柔らかい街だなっていう気持ちではあります。

年々、東京の街並みを好きになっていく部分はあって。例えば早朝、都会の方を走って行ったとして、ビルに反射する日の光とか霧がかっている時とか。きっとこの街だからこそ生まれるものがあるんだろうなと思います。朝の東京、すごいおすすめです。

――去年は海外にもたくさん行かれたそうですね。

にしな：香港、台湾、上海、マレーシア、ニューヨークとかに行きました。海外でのライブはまだしたことないんですけど。言葉が完璧に通じなくても、海外に行っても優しい人は優しいし、人間だからこそ合う・合わないもあるなっていうのはいつも感じていて。それが面白いなと思います。あとは皆様、生命力を感じる気はしますね。そこでこうやって仕事に向かって歩いていくんだ、この人たちかっこいいなーっていうのは、どの国に行っても思います。

未来への向き合い方

――今後、どういうアーティストになっていきたいですか。

photo by Daiki Miura

にしな：いやー、本当に難しいですよね。アルバムのタイミングで「次はどこに向かって」みたいに聞かれるので、すごい考えるんですけど。自分の良いところでもあり悪いところでもあるんですけど、やっぱりなくて。例えば「あそこに立つからついてこい！」みたいに言えたらすごいかっこいいなって思うんですけど。

最近思うのは、得たいものは別に大きい何かではなくて、やっぱ手の届く範囲の人を大切にして幸せにしていきたいし、ありのままの自分とか出会う人とのコミュニケーションの中で生まれる生き様を残していきたい。それを飽きるまで続けたいなっていうのが本当の気持ちなので。「身軽でいたい」っていうのが、一番です。

最初の頃はガムシャラにやるしかなかったですけど、ここに来てやっぱり一人間としてどう生きたいのかっていうことを一番大切にしたい。それが自分の目標なのかもしれないなって、今になって思います。

――3月からのツアーについてはどうですか？

photo by Daiki Miura

にしな：ライブは生き物で、何回やっても絶対違うし面白いなって思います。あとはバンドメンバーとのグルーヴ感が後半に向けてどんどん加速していくのも楽しみです。乗り切り方としては、喉の調子とかをなるべく気にしすぎないようにしています。気にすると100まで気になり始めるんで（笑）。細かいことはなるべく気にせず、大雑把に楽しむようにしています。ライブハウスはもちろん、いつか水族館とかプラネタリウムとか、ライブハウス以外の場所でもやりたいですね。

インタビュー中、彼女は「身軽で・自然な状態でいたい」と何度も口にした。3rdアルバム『日々散漫』に詰め込まれた21曲は、アーティストとしての野心よりも、一人間としての「生活」と「納得感」に根ざしている。東京の朝の光のように、日常の何気ない景色を音に変えていく彼女の旅は、これからより一層、自由で軽やかなものになっていくのだろう。

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 -まずはバンド名の由来から伺わせてください。ผ้าอ้อม99999という名前は非常にユニークですが、どのような経緯で決まったのでしょうか？

ผ้าอ้อม99999： 閃光ライオットに応募した時、普通の名前では審査員が見ないと思ったので、差別化を図ろうと思って日本語か英字以外でつけようと僕が言い出したんです。その時にアラビア語かタイ語かで迷って、自分がタイ料理が好きなので「有名になってタイでライブできるんじゃないか」という妄想込みでタイ語にしました。最初は意味なく、字面と語感で選んでいます。

–その後、実際にタイの音楽フェス「Maho Rasop」への出演など、現地シーンとの繋がりも生まれています。名前がきっかけでタイ文化へと接続されたタイミングはあったのでしょうか。

ผ้าอ้อม99999： 最初は目立ちたかっただけですが、「閃光ライオット」が終わったら解散するつもりでした。でも、バンドを続けていこうと思ったタイミングで「ちゃんとタイのカルチャーを学んで、現地のシーンと繋がっていけたらいいな」と真面目に考え始めましたね。現地の人がこの名前を面白がってくれたのかは正直よく分かっていないですが、最初のインパクトと演奏があった上で選んでもらえたのかなと思っています。

意味が変わり続ける運動体。「ジャンク・ポップ」の真髄

-自身のジャンルを「ジャンク・ポップ」と称し、「散らばった色んな断片を肯定的に飲み込む」と表現されています。その「肯定」のあり方について詳しく教えてください。

ผ้าอ้อม99999： 今のネットカルチャーは循環のスピードが速くて、一つのミームをとっても文脈やルーツを理解しないと追いつけない。その文脈自体もどんどん書き換えられて、忘れられていくものだと思うんです。

僕らがジャンク・ポップというスタイルで大事にしているのは、そういう移ろい続ける、壊れていくような文脈そのものを楽しむことです。文脈が失われることを嘆くんじゃなくて、風化したり崩れたりしていく過程そのものを享受する。ルーツを否定するのではなく「意味が変わっていく運動体」としてのミームに惹かれている、ということですね。

-ネットミームやMADからの影響も公言されていますが、そもそもどのようなものを見て育ってきたのでしょうか。

ผ้าอ้อม99999： ゲーム禁止の家だったので、中3で手に入れたノートパソコンでずっとインターネットを見ていました。ニコニコ動画や2ちゃんねるのまとめサイト、あとは『ケロロ軍曹』や『銀魂』のような、オマージュありきのアニメがすごい好きで。その元ネタを調べることをずっと今に至るまでしています。リミックスみたいなものを聴いてから原典を調べるという、邪道な辿り方をしてきた感じですね。

実生活のストレスを飲み込む、情報の過密とリアリティ

 -音楽的なルーツについても伺いたいのですが、どのようなアーティストに影響を受けてきたのでしょうか

ผ้าอ้อม99999： 小学生でサカナクションを聴いて電子音楽に興味を持ちました。その後はDALLJUB STEP CLUB（ダルジャブ・ステップ・クラブ）ですね。クラブサウンドをバンドでやるのに、歌詞が「やよい軒の歌」だったりする俗的なギャップに惹かれました。SUSHIBOYSやどんぐりずのように、トラックがハードなのに歌詞はふざけているものからも影響を受けています。

 -楽曲制作のプロセスについては、コンセプトを先に決めるのでしょうか。

ผ้าอ้อม99999： トラックを先に作ることが多いです。「この音ならこういうのを連想するから、このテーマにしよう」と。たとえば「忙忙忙ー忙、忙忙忙」は、僕がフリーターでバイトが忙しくてしんどかった時に「忙しない曲だし、バイトの苦しみをテーマにしよう」と作りました。怒られたりした「しょうもないリアル」ですけど、それが結果的にヒップホップ的に作用したのかもしれません。

閃光ライオットの勢いから、砂漠の巨大ステージへ

-「閃光ライオット」から現在に至るまで、バンドとしての野心にはどのような変化がありましたか？

ผ้าอ้อม99999： 閃光ライオットの時はコロナ以降初めての開催で、年齢制限が23歳まで引き上げられたこともあり、最高年齢のやつを集めて勢いで優勝できたらいいな、くらいの感覚でした。でもインターネットで反応をもらえてから、野心がだいぶデカくなりましたね。今の目標を端折って言うと、コーチェラ（Coachella）に出たい。めちゃめちゃ出たいです。

-伝説的エンジニアのIllicit Tsuboi（イリシット・ツボイ）さんとの作業はいかがでしたか。

ผ้าอ้อม99999： 僕の作るトラックはとにかく音数が多いのですが、ツボイさんが「何を残し、何を削るか」という勇気ある選択をしてくださったおかげで、ジャンクさとポップさのバランスが上手く取れた。良い化学反応が起きた印象です。

意味の不在を愛でる。栗松ミームが象徴する「ジャンク」

-ビジュアル面でも、3Dアニメーターなど外部のクリエイターと連携されているかと思います。どのようにビジュアルを組み立てているんですか？

ผ้าอ้อม99999： 打ち合わせはもちろんしますが、特定のワードを決めるよりは、最近見て面白かったミームや好きなカルチャーの話をしている時間の方が多いです。

-ちなみに最近、特に印象に残っているミームはありますか？

ผ้าอ้อม99999： 言える範囲だと、海外で作られた『イナズマイレブン』の栗松が雑にコラージュされているミームですね。

ผ้าอ้อม99999が描き出す、混沌と肯定のポップミュージック。それは、無数の情報の断片を飲み込み、新たな文脈へと昇華させる現代的な儀式のようでもある。彼らの視線は、横浜のバイト先から、砂漠の巨大なステージへと真っ直ぐに向けられている。

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近ごろ公開された新たなサイファー映像が、国境を越えて大きな反響を呼んでいる。香港やマカオの才能も含む、注目の7人がマイクを回すこのビジュアルに映っているのは、きらびやかな観光都市としての台北ではない。剥き出しで、飢えていて、最前線のサウンドと共鳴する「リアルな台北」だ。

CHE、osamason、slayrといったグローバルなアヴァンギャルド・サウンドと呼応しつつ、台北のアンダーグラウンドは独自の進化を遂げている。WEEAVEは本企画のディレクター（本人も香港出身）にインタビューを実施。映像の舞台裏から、彼らが闘う「見えない敵」、そして日本に向けた強い想いまで、余すことなく語ってもらった。

台北を中心に交差する、多国籍な才能の合流点

このラインナップに込めた意図は？

JJ:2026年の台北アンダーグラウンド・ヒップホップを、そのままの熱量と多彩さで描きたくて、意図的に幅のあるラインナップにしました。面白いのは、香港のLobo SlashemallとマカオのSevenmindの2人が、台北のローカル出身ではないこと。（僕自身も香港出身です。）それでも、この街のアンダーグラウンドの中で自然に繋がっていった。

台北のアンダーグラウンドは閉じた場所じゃない。アジア各地から才能を引き寄せる磁場みたいなものがある。ローカルの荒さとグローバルな影響が混ざり合って、多面体みたいな音になる。海外からも「CHEっぽい」「osamasonっぽい」「slayrっぽい」みたいなコメントが多くて、まさにそれを見せたかった。台北には、世界の最先端と同じ波長で鳴っている、飢えた活気のあるアンダーグラウンドがある。このサイファーは、その宣言だ。「ここにいる。ここから強く出ていく」って。

偶然から生まれた、映画のようなストーリーライン

ラッパーの順番が物語のような展開になっていました。構成はどう決めたんですか？

JJ: ぶっちゃけ最初は、公平にしたくて、くじ引きのサイトで完全ランダムに決めました（笑）。でも並びを見た瞬間に、導入→盛り上がり→ひねり→締め、みたいな“映画っぽい”流れが作れそうで、少しだけ手を入れてストーリーとして成立させました。

• 導入：最初にPHIL COZYを置きました。滑らかでメロディアスなフロウと、英語中心のバースで海外の人も入りやすい。冒頭から「台北は世界基準で鳴れる」と示せる、シルキーな入口です。
• 盛り上がり：続いてYUNG ANDYPISTOLとLOBO SLASHEMALLで一気に温度を上げる。Andyのパンチの効いたアグレッシブなトラップ感と、Loboの香港ストリートの荒さがぶつかって、飢えが露出していく。
• ひねり：中盤のBABYGRAPEが大きな“ツイスト”です。独特のビートに対する実験的で揺れるアプローチで、空気を一度ひっくり返す。予測不能な新しい風が入って、サイファーがその場で進化している感じになる。
• クライマックス＆着地：最後はSEVENMIND、LIL RICK BABY、BBで多彩さとカタルシスを作る。Sevenmindがシネマティックな奥行きとムードを足して、Lil Rick Babyが高速のテクニカルな荒々しさと凄まじい言葉遊びでスキルを叩きつける。BBが跳ねるようなカリスマ性で締める。

出発点はランダムだったけど、エネルギーの種類がぶつかり合いながらも一つの波としてまとまっていく、台北アンダーグラウンドの多層性を表現できたと思います。

締切が生む魔法と、オンラインで成立した化学反応

ビートとの噛み合いが抜群でした。制作期間はどれくらい？

JJ:正直、準備期間はめちゃくちゃ短くて、トータル2週間くらい。リハもゼロでした。完全リモートで、全員がバースをオンラインでメインプロデューサーの@scvrlet.piに送り、Andyはゲストプロデューサーの1jowisen、Babygrapeは2ukkoも入って制作しました。つまり、ここで聴こえる“相性”は、ファイルのやり取りと締切直前の調整で生まれたものです。

一番驚いたのは前半のYUNG ANDYPISTOL。最初から何パターンか送ってくれて、どれも良かったんだけど、「あと一押し足りない」感覚があった。でも締切当日に「no1. Type of chigga」っていうヤバいバージョンが届いた。エネルギー、反復の強さ、「Ima one type of chigga / #1 type of chigga」の押し切り方、アグレッシブな出し方……Phil Cozyの滑らかな導入の直後に爆発させる“ピース”として完璧でした。「どこから出てきた？」って震えたくらい。豪華なスタジオセッションじゃない。飢えと、直前のひらめきだけで起きることがある。その締切の魔法が、アンダーグラウンドの強さだと思う。

追随じゃない。形にする「台北の音」

2026年の「台北アンダーグラウンドの音」を一言で表すなら？

JJ:一つの箱に収まらない「ハイブリッド」ですね。オーセンティックなブーンバップのスピリットやストリートの荒さへのリスペクトと、実験的なレイジ、トラップ、プラグの影響が混ざっている。

懐古でも、未来だけでもない。ぐちゃぐちゃで、感情的で、カオスで、生々しい。scvrlet.piの暗くノイズ混じりのビート、Babygrapeのサイケデリックなひねり、Lil Rick Babyの高速でテクニカルな荒々しさ。さらに、北京語と英語のネットスラングをバースの途中で切り替える感覚が、スピード感のある多文化なストリートをそのまま映している。

香港出身の自分にとって、「台北のフレーバー」が何かは今も掴んでいる途中です。でも、このサイファーで絶対に守って前に押し出したかったのは、中国語（北京語）を軸にすること。ヒップホップはグローバルに届かせるために英語に寄りがちだけど、中国語でも魂を落とさずに世界で戦えると証明したかった。トレンドの後追いじゃない。自分たちの味を混ぜる。ネオンの影、街のせわしなさ、圧縮された感情。世界の最前線と正面からぶつかりにいく準備はできてる。

ビジュアル面でも、台北のパブリックイメージと対照的な暗い質感が印象的でした。

JJ:そう。台北101とか、明るく磨かれた観光向けのイメージ、カラフルな市場みたいな“分かりやすい絵”は全部外しました。そういう表層的な美しさが、台湾の本当のアンダーグラウンド音楽を埋もれさせることが多いから。

代わりに、廃れた倉庫を借りて「影」と「荒さ」を強調した。メインストリームのスタイルの下に埋もれながらも、突き抜けようとする止められないエネルギーの象徴です。湿度のある赤いライティングは緊張感と親密さを作って、アーティストの存在だけに焦点を当てる。

さらにPart 2では赤と青のライティングに切り替えて、台湾の旗の色を意識的に反響させた。赤は情熱と飢え、青は深さと粘り強さ。暗い影の中に国の色が滲むコントラストは、静かな自己主張でもある。「台北のアンダーグラウンドは生き延びているだけじゃない。この街に根を下ろして、世界と向き合っている」って。

この若いラッパーたちが共有している「見えない敵」はありますか？

JJ:ある。「無視され、過小評価される」現実です。台湾のメインストリーム・メディアは本当のアンダーグラウンド・ヒップホップをほとんど取り上げない。海外のシーンはアジアを「追随者」と見がち。ローカルでもポップの陰に隠れる。「大したことない」「規模が小さい」って扱われることへの反発が、意識していてもしていなくても、いちばんの原動力になっている。

大きな予算も、メジャーレーベルもない。でも「自分たちにもできる」「台北の火を見せる」っていう飢えがある。特定の誰かや仕組みと闘っているわけじゃない。闘っているのは「沈黙」だ。そして今、その声は確実に大きくなっている。

日本へ。沈黙を破り、世界へ届くために

最後に、今後の展望を教えてください。

JJ:いま一番具体的な目標は、日本でライヴをすることです。

驚いたことに、このサイファーの視聴者の約50%は現時点で日本から来ています。コメント欄も「台湾やばい」「アジアで一番熱い」みたいな反応で溢れていて、この熱を無駄にしたくない。まずはこのラインナップ、もしくはメンバーの一部でも日本に連れて行って、ショーケースやライヴを実現したい。できるなら日本のアーティストともコラボしたいと思っています。

「僕たちは沈黙と闘っている。」ディレクターの言葉は、国境をまたいで活動するインディペンデントなアーティストたちの胸を確実に刺すだろう。用意された舞台に頼らず、自分たちで場所を切り開き、言語の壁すらフロウと情熱で越えていく。台北の地下から放たれた熱波が、日本のライヴハウスを揺らす日も遠くない。WEEAVEは彼らの次の動きを追い続ける。

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今回は、結成の経緯からルーツ、現在のシーン観、そしてこれからの展望までを、メンバー自身の言葉で辿る。

まずはGeloomyの自己紹介をお願いします。

小腸：ディスコやソウル、ファンクにルーツを持ちつつ、クラシックロックも含めて、いろんな要素を持ったバンドです。

結成のきっかけは？

小腸：ほんまに最初は、スタジオでちょっと遊んでみようぜ、みたいなノリでした。初対面で集まって、コピバンでもやるかって。それが流れでオリジナルをやるようになって、気づいたらこのバンドになってました。

最初にやったコピー曲は覚えていますか？

小腸：Kan Sanoさんの「My Girl」ですね。

それぞれ、音楽を始めたきっかけを教えてください。

小腸：家でずっとソウルとかファンクが流れていて、中3くらいでトム・ミッシュにハマって。明確なタイミングというより、ぼんやり音楽やりたいなって思い続けてた感じです。

腎臓：高校で小腸と同じクラスになって、ギター弾いてるのを見て面白そうやなって。最初はギターで、そのあとKing GnuとかOKAMOTO’S聴いて、ベースかっこええなって。ベーシストになろうっていうより、ベースが好きやから弾いてます。

肺：中高は吹奏楽で打楽器をやってました。Buddy Richの動画をひたすら見てて、大学入るくらいからブラックミュージックを聴き始めて、QuestloveやNate Smithに憧れて今に至ります。

肝臓：小学校でピアノを少しやっていて、一回離れたんですけど、大学でKan Sanoさんを聴いて。そこからRobert GlasperやReuben Jamesを掘って、もう一回やってみようかなって思いました。

初ライブはいつでしたか？

小腸：2023年の春ごろですね。そのときはサブスクに出てる曲もゼロで、インスタをちょっと動かしてたくらいでした。

渋谷WWWでのワンマンを迎えたときの気持ちは？

小腸：ずっとお客さんと距離の近い場所でやってきて、よく来てくれる人たちと一緒に成長してきた感覚があります。Geloomyっていうコンテンツを、みんなと一緒に作ってる感じ。

肺：前のバンドではお客さんゼロも経験してたので、WWWがパンパンになったのは正直、夢あるなって思いました。

腎臓：演奏だけじゃなくて、VJやグッズも含めて、世界観をある程度のクオリティで出せたのがよかったです。ひとつの節目やなって。

肝臓：今までやってきたことが仕上がってきたタイミングで、ちゃんと見せる場があった。踊ってくれてる人も多くて、成果としては大きかったです。

これからのGeloomyは、どんな方向へ？

小腸：まずは曲を出して、その先は4人を軸にしつつ、少し外の力も借りていきたい。変わる部分はめちゃくちゃ変わるけど、今のGeloomyの良さは消さずに、ゆっくりかましにいきます。

立ってみたいステージ、目標は？

小腸：WWWX、LIQUIDROOM、その先でZepp。時間かけていきたいです。

肺：海外行きたいですね。台湾も良かったし、アジアもアメリカもヨーロッパも。

腎臓：狭いカフェとか、景色がかっこいい場所でやるライブもやりたいです。

肝臓：音源は海外も意識したサウンドにしていきたい。おしゃれやけど、ちょっとクセのある感じ。

東京という街をどう見ていますか？

小腸：東京って二極化してる気がしてて。本気でやりたいことがあって来てる人と、なんとなく来てる人。自分らは前者でいたい。音楽もファッション化していくと思うけど、なりすぎてもあかん。いい塩梅が難しい街ですね。

これから、どんなシーンになってほしいですか？

小腸：ジャンルで人を判断せず、純粋に音楽を楽しめる場が増えたらいいですね。

肝臓：ジャンル関係なく、うまく吸収していけるシーンになってほしい。

腎臓：ライブハウスじゃない場所で、自然に音楽が聴ける環境が増えたら面白い。

肺：「あ、なんかやってる」くらいの敷居で、生の音に触れられる場所が増えたら。

最後に、読者へ一言お願いします。

小腸：曲も映像もデザインもミックスも自分らでやっていて、好きなことを続けたい。暇なときに、ふと思い出して聴いてくれたら嬉しいです。

偶然から始まったGeloomyは、今もなお“なりゆき”を信じて進んでいる。だがその歩みは、明確な輪郭を持ち始めている。時間を味方につけながら更新されていく彼らの現在地は、まだ途中だ。

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——まず自己紹介からお願いします。
who28：who28です。

——「who28」という名前の由来は？
who28：ちょうどLil Peepが亡くなった日（2017年11月）、ちゃんと音楽を始めようって決めたんだよね。
その時、本名でやるか、名前を付けるか迷ってた。で、自分の中で“エンジェルナンバー”みたいに感じてる数字があって。誕生日は2月8日なんだけど、街中で「2:08」みたいな数字をやたら見る時期があってさ。そこから“28”を入れたいと思った。

——誰かに憧れて付けた形ではないですか？
who28：うん。誰にも憧れてないし、追いかける存在もいない。作品が先に出て、あとから名前が付いてくるくらいの感覚だから、名前は何でもいいと思ってた。
ただ、誕生日が2月8日で、街中でも「2:08」とか「2」「8」をやたら目にすることが多かったから、エンジェルナンバーみたいな感覚で「28」を入れたかった。
それで「who」に「28」を足して、who28にした。ゲームの名前を付ける感覚にも近い。
「誰でもないし、誰にもならないけど、俺は俺」っていう感じ。

——当時の空気感もありましたか？
who28：あった。当時、XXXTentacionとかの世代って、読めない名前がかっこいい、みたいなノリがあった。名前を“読ませたくない”感じも少しあった。今は少し後悔してるけどね（笑）。

——もし今付け直すなら？
who28：正直、すぐ出てこない（笑）。でも、フジタイトみたいな、もっと一発で入る名前が良かったとは思う。

——音楽的なルーツを聞かせてください。今やってる音楽に「この人の影響」みたいなのは強いですか？
who28：強い意味ではあまりないかも。でも“魂がある曲”が好き。

——昔から聴いてた音楽は？
who28：David Bowieも好きだったし、Radioheadも本当に好き。

——そこからラップに行ったきっかけは？
who28：トラップを初めて知った時、ロックより自由で、何でもありだと思ったから。

——他に影響を受けた音は？
who28：昔からPerfumeが好きだったし、Lil Wayne、T-Painも大きい。初めて“オートチューン”の響きを聴いた時、「俺が好きだったのはこれだ」って気づいた。

——ヒップホップの入り口は？
who28：Wu-Tang Clanから。帽子を買ったのがきっかけで調べて、あの「Cash Rules Everything Around Me（C.R.E.A.M.）」のフックにやられた。そこから入った。ファッション経由だね。

——日本の音楽は聴きます？
who28：聴く。日本だと尾崎豊とか、ソウルフルなものが好き。魂が聴こえない音楽はあまり好きじゃない。でもm-floは好きだし、Mr.Childrenも聴く。

——あなたが曲に込めたい“熱”は何ですか？
who28：ライヴも含めて、聴いた人にエネルギーを渡せないものは意味がないと思う。まず自分自身がエネルギーを出せる曲をちゃんと作ってリリースしたい。

——今回のEPについて聞かせてください。タイトルの「TAIGA」にはどんな想いを込めましたか？
who28：「TAIGA」は自分の本名。who28としての“なりたい自分”“好きな自分”がある一方で、ダサい部分とか、さらけ出したくない未熟さもある。その未熟さの手触りが「TAIGA」っぽいと思った。
本当は「who28」というタイトルのアルバムを出そうとしてたけど、曲がまとまった時に「これは一回TAIGAとして出した方がいい」ってスイッチが入った。次のアルバムは「who28」として出したい。

——曲のどんなところに「TAIGA」を見出したんですか？
who28：1曲目の「Fuck Love」。Trippie ReddとXXXTentacionの「Fk Love」を手がかりにしつつ作り始めた部分があって、歌詞の中に「Baby, I need you in my life」みたいなフレーズ感を入れてる。そこから先で、自分は「一緒にいたい気持ち」と「今は一人で自分に集中しないといけない」がぶつかってる。その葛藤が、今の自分の未熟さとして出てる気がした。
あと最近、自分が“ズル剥けていく”感覚がある。綺麗に整った顔してる曲より、今の自分のその感じが入ってる方が好き。

——終盤の曲も同じ線？
who28：ラストの「miss you」みたいな曲も、日常のまま歌ってるだけに近い。それもwho28としての強がりとかじゃなく、素の自分＝TAIGAっぽいと思った。
でもwho28とTAIGAを完全に別人格として切り分けたいわけでもない。結局ひとつだと思う。

——逆に、あなたにとって「who28的な自分」って、どんな状態ですか？
who28：シンプルに、自分が自分を好きでいられる状態。理想の自分に近い時。
俺、XXXTentacionが亡くなる前のインスタライブを今も見返すことがあるんだけど、その時々で刺さる言葉が違う。今回は「なりたい自分になれ」みたいな言葉が強かった。

——理想像はありますか？
who28：浅い言い方になるけど、楽しく音楽を作っていたい。
あと、輪廻転生を少し信じてて。来世の自分が、who28っていうアーティストを見つけて「かっこいい」って思ってくれたら、それが人生の目標かもしれない。だから死ぬまでに1曲でも多く良い曲を作って出したい。来世に届くくらいには、ちゃんと広く伝わってほしいとも思う。

——XXXTentacionから受けた影響を、もう少し具体的に聞きたいです。
who28：Juice WRLDは亡くなったあとに好きになったけど、Lil PeepとXXXTentacionは生前から本当に聴いてた。
影響っていうなら、「人間として成長しないと曲も良くならない」って感覚。XXXTentacionも、自分を変えようとしてた途中だったと思う。だから自分も、日々ちゃんと成長したい。心が動いた出来事を、考え続けて、結論を出して、また考え直して…その繰り返しを止めたくない。

——あなたにとってヒップホップは何ですか？
who28：ジャンルとしてのヒップホップを崇拝してる感じはない。自分の曲を作る時も「これはロック」「これはヒップホップ」って線引きはしてない。自分が思う“かっこよさ”がヒップホップだと思ってる。

——それでも「ラッパー」と名乗る理由は？
who28：始まりが作曲じゃなくて、フリースタイルを知ったり、バトルに出たり、そういうところから始まってるから。どこまで行っても自分の軸はラッパー寄りなんだと思う。
別の畑の人から見たら、どう見てもラッパーとして見られるし、逆にラップ畑の場所に行くと「ハイパーポップっぽい」と言われたりもする。でも、こっちはこっちでラッパーとしてやってる感覚が強い。
東京はジャンルを越えて、かっこいいと思ったら認め合う空気がある。一方で大阪は、交わらないくらい細かく分かれてる感じが強かった。自分が大阪でやった時に「こんなオルタナっぽいことやらない」みたいに言われたこともあるけど、こっちはヒップホップだと思ってやってる。

——どんな人に音楽を届けたいですか？
who28：全員に届いてほしい。その中でも、特に心に響いてほしいのは、自分と戦ってる人。
言われたことだけをこなして、人生を深く考えないまま進んでいく人が多い気がするんだよね。せっかく一回きりなんだから、人生にもっと熱くなれって思う。
“クールでいることが正しい”みたいな空気は好きじゃない。取り繕って、かっこいい言葉しか吐かない人も多いけど、そんなわけないじゃんって思う。

——最後に、作品を聴く人へメッセージをお願いします。
who28：もし人生のどこかで、一歩踏み出したい瞬間にこの音源が鳴ってたら、一緒に少し進める作品にしたい。
気負わずに、生活の中のどこかで流してほしい。勇気が欲しい時、背中を押してほしい時に、役に立てたら嬉しい。
聴いてくれる人がいるから音楽を続けられる。いつもありがとう。

「誰でもない」と名乗ることで始まった彼のキャリアは、今、自らの「本名」を冠するほどに誠実な地点へと到達した。who28が放つ熱量は、形を変えながら、いつか来世の彼自身、そして今を生きる私たちの背中を静かに、しかし力強く押し続けてくれるはずだ。

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今回のインタビューでSionは、なぜいまeigensinnが必要だったのかを語ってくれた。燃え尽きが何を露わにしたのか、電子音楽とハイパーポップがどう“いちばん正直に”自分を立て直せる場所になったのか、そして最も激しく荒々しいテクスチャーの中でも「organic」がなぜ譲れないのか。夜の崖のイメージから、Porter Robinsonのフォーリーがもたらす温度感、東京の“調和”から近藤浩治のクラフトまで。Sionは、腑に落ちた瞬間を手がかりに、この作品の輪郭を辿っていく。

まず、初めてあなたに出会う人に向けて。「Sion」をひとことで表すなら？

Sion: Sionは、常に変化し続けるアーティストです。

今回のサウンドの変化は、とても意図的に感じます。なぜいまこの方向へ？ そして前作までと比べて、いちばん決定的に変わった点は？

Sion: 結構大きめの燃え尽きがありました。過去の作品が、もうアーティストとしての自分をちゃんと表していない気がして。自分が主導権を持てていない影響の“結果”みたいになっていたというか、コントロールできていなかったんです。
だからこそ、自分が本当に好きで、心から共鳴できるものを見つけ直す必要があると思いました。それが電子音楽とハイパーポップでした。日本のエレクトロニック・ミュージック・シーンを聴いて、ポップを自分たちの感覚でいじって、面白いテクスチャーにしていくやり方に惹かれて。
特定のジャンルやスタイルを「これをやりたい」と思えたのは、初めてだったんです。だから、そのまま直感で進みました。この作品も同じで、直感的で、少しクセがあって、楽しい。でも、これまでの自分の“メロディの強さ”はちゃんと残しています。

この作品が鳴っている“場面”を想像すると、どんな景色が浮かびますか？ 朝か夜か、場所は？

Sion: このアルバムは、夜がいちばん似合うと思います。山の上、もしくは崖の上みたいな場所。エモーショナルな瞬間と、踊れる瞬間が変なバランスで混ざっている感じが、その景色に一番フィットする気がします。

ジャンルが変わっても、ぶれない“核”があるとしたら？ 3つの単語で表すと何になりますか。さらに、その核が最もはっきり出ている曲は？

Sion: ディテール、ハイブリッド、オーガニック。
僕はクラシックの音楽家としてスタートしているので、昔から音楽の細部を分析し続ける環境で育ってきました。それがそのまま自分の音楽にも出ていると思います。ハイパーポップはすごく荒いジャンルでもあるけど、この“細部に意識が向く癖”からは逃れられないし、正直それでいいとも思ってます。
これまでR&B、ヒップホップ、バラード、クラシック、ジャズ……いろんなジャンルをやってきたので、いまはもう血の中に「混ぜて、崩して、また組み直す」感覚がある。ジャンルをハイブリッドさせることが自分にとって自然なんです。
それと、僕はヘッドホンで音楽を聴くときも、ノイズキャンセリングを使わないんです。周りの空気と一緒に“呼吸している”感じで聴きたい。音楽は自分にとってオーガニックなもので、作品にも必ず何かしら“生っぽさ”を入れたいと思っています。
その3つが一番出ているのは「homes」です。ポップ、ロック、フォーク、ハイパーポップのハイブリッドで、曲全体にオーガニックな質感があって、誰も気づかないようなディテールを何週間もかけて調整しました。

初めて聴く人が「いまのあなた」を理解するために、1曲だけ選ぶなら？ そして、その曲を象徴する瞬間（タイムスタンプ付き）を教えてください。

Sion: それなら「avoid2」です。この曲は1週間で作りました。過去作とは全然違う体験で、考えすぎずに、その瞬間に浮かんだ小さなアイデアを全部活かしていった感じでした。
アンビエントなイントロから始まって、EDMのビルドアップに入って、そこからレイジのドロップに切り替わって、次はハードスタイルとフォンクのハイブリッドのドロップ、最後にリディムのドロップへ向かっていく。ジェットコースターみたいな曲です。
特に、レイジのパートとフォンクのパートの間に、ビルドアップもブレイクダウンも挟まらずに切り替わるところが、この曲の“バカみたいに直感的”な感じを一番表していると思う（1:40）。いまの自分はまさにそれで、バリエーションがあって、楽しくて、電子音楽にいる、という感じです。

この作品に直接影響を与えた“参照点”はありますか？ 曲やアーティストなど。そこから何を取り入れましたか？

Sion: 影響を受けたアーティストは本当にたくさんいます。Porter RobinsonのアルバムNurtureは、いまでも自分にとって“教科書”みたいな存在で、テクスチャーやフォーリーをどう使えばトラックがもっとオーガニックで、生き生きしたものになるのかを学ぶために、何度も立ち返っています。

peterparker69からは、ボーカルをもっと遊ぶ発想をもらいました。ピッチシフトしたり、ステレオイメージを曲げたり。ほかにも本当にいろいろあります。

東京で過ごす中で、いちばん心に残っているカルチャーの側面は何ですか？

Sion: 東京には、自己表現と文化の継承のバランスがあるところがすごく好きです。いろんな視点を持つ人たちが、お互いの考え方をちゃんと尊重しているのが面白い。より表現的な人たちも古い価値観や文化を認めているし、多くの人が“自分を表現すること”そのものを美しいものとして捉えている。
そういう感覚は、世界のいろんな場所では欠けていると思います。調和ですね。

いま特に注目している日本のアーティストがいれば、ひとり挙げてください。記憶に残っている具体的な場面（曲やライブ）も一緒に。

Sion: 去年、WWWの年末パーティーでlilbesh ramkoがパフォーマンスしていたのを観ました。もともと音源も大好きだったんですが、ステージでのエネルギーとデリバリーが本当に衝撃で。
自分の曲をリミックスして、観客を驚かせる感じとか、音に合わせた身体の動かし方とか、全部が刺激になりました。そこから自分のライブの仕方にも影響しています。

もし東京のクリエイターと1日過ごして何かを作れるなら、誰と何をしたいですか？

Sion: 近藤浩治さんと1日過ごしてみたいです。ゲーム音楽が大好きで、いつか自分もゲーム音楽の作曲家として仕事をしたいと思っているので。どうやって楽曲を作っているのか、その制作の現場を見て学びたいです。

eigensinnの“聴き方ガイド”をお願いします。入口になる2曲→深掘り向けの1曲。さらにそれぞれ、好きな「1秒」の瞬間（タイムスタンプ付き）も。

Sion: 入口になる曲は「holdon」と「homes」だと思います。どちらもポップの構造がすごく分かりやすいので、EPの中でも他の曲より飲み込みやすい。
「holdon」はエレクトロポップの要素がある、いわゆるバンガーで、EDMやポップが好きな人には刺さると思います。特に最後のコンプレクストロのドロップが好き（1:45）。
「homes」はロックポップ寄りで、作品の中でも一番とっつきやすい曲だと思う。2番のヴァースが、2000年代のポップロックを思い出させて好きです（1:51）。
深掘り向けは「avoid2」。さっきも言ったけど、とにかく遊びながら作った曲で、いわゆる“構成”はあまりないです。各パートを次のパートより強くしたい、みたいな感じで、自分のドーパミン受容体を刺激することだけを考えていました。最初の一回では消化が難しいかもしれないけど、ハイブリッドな音楽やサウンドデザインが好きなら、絶対にハマると思う。最後のリディムのドロップは、グルーヴが変で最高（2:41）。

音だけでは伝えきれない感情を、ビジュアルが補っている瞬間はありますか？ ジャケット、写真、MVの1カットなど。

Sion: 小さなバンの中で撮ったライブパフォーマンス映像があって、DJコントローラーでプレイしながら、声にはオートチューンをかなりかけて歌いました。
その場の楽しさとか、即興っぽい瞬間があることで、この作品のカオティックな感じが、音だけで聴くよりも強く立ち上がると思います。

いまのファッションのムードは？ 色、シルエット、質感。ステージやアートワークとのつながりはありますか？

Sion: 数年前までは、ファッションにかなりハマっていて、面白いピースを組み合わせたり、いろんなブランドのヴィンテージアーカイブを掘ったりしていました。いまはほとんど真逆です。
基本的には、着ていて楽なもの。ライブや制作のときに動きを邪魔しないものを選びます。スタイルはもっと“居心地のいい”、落ち着いた方向になりました。
それでも、快適さの中に何かしら“遊び”があるものを選びがちですね。

最後に。いま一番お気に入りの服は？ その理由も。

Sion: 最近はフード付きのジップアップフーディをよく着ています。着るのが楽だし、フードがあると少し安心できるんです。
いま一番のお気に入りは、GB Mouthっていう日本のブランドのジップアップフーディですね。

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同じ時期にアルバムを出した2人が、同じ夜を“主役”として迎える。
Gokou Kuytは1stアルバム『Ain’t Gang』を、BHS Svveは4thアルバム『Pop Dilemma』をリリース。そして2026年1月11日、Veats Shibuyaで「Super Release Party」を共同主催する。

出会いはSoundCloud、接点は世代と界隈をまたいで増殖していった。片や“トーキョーシャーマン”の道から、片や“DEMONIA”の周辺から。

自己紹介

Gokou Kuyt

「一応ヒップホップをやってるんですけど、10代の時に海外のクラウド・ミュージックにかなり興味を持って。メインストリームではないところから聴き始めて、自分でもやってみたいなって思ったのが最初で、今でもそれの延長戦みたいな感じでやってます。」

BHS Svve

「僕は高校生ぐらいまで、そんなに音楽を聴く機会がなかったんですけど、当時MCバトルが流行ってて。それで“ラップなら僕にもできるんじゃないかな”と思って始めました。
今は大きく2種類、自分の中でやってると思ってて。いわゆる“ラッパーっぽい”というか、聴いた人も強い気持ちになれるラップっぽい音楽と、他のジャンルに見られるような“共感”とか“寄り添い”みたいな音楽。その2つです。」

「ちゃんと認識したのは2021年」——出会いの入口は“音”

-お互いのことを“しっかり認識した”タイミングって、いつぐらいでした？

Gokou Kuyt
「曖昧なんですけど……友達づてに“こういうやつがいる”って聞いてたのが先か、SoundCloudで曲を聴いたのが先か、どっちが先か覚えてなくて。
でもSoundCloudで曲を聴いて“かっこいいな”って思って、いいねしたのは覚えてます。それがちゃんと認識したタイミングだと思います。」

-何年前ぐらいとか、記憶ありますか？

Gokou Kuyt
「たぶん……2021年です。」

BHS Svve
「僕は嬉しくて結構鮮明に覚えてるんですけど、地元が札幌で。地方で“1MCバトラー”として頑張ってた時に、先輩から“東京にもラップシーンがある”って教えてもらって。
釈迦坊主さんがやってたパーティー（トーキョーシャーマン）の話とかを聞いて、“こんなカルチャーがあるのか”って。で、“Gokou Kuytっていうかっこいいラッパーもいるよ”って教えてもらったのが最初で、2018〜19年ぐらいだったと思います。
しばらくはずっと“かっこいいな、会ってみたいな”って思ってたんですけど、2021年にカイトさんからSoundCloudにいいねが来て、僕も当時から好きだったんで“ありがとうございます”って繋がりを持ちに行って。上京して、やっとちゃんと会えた、みたいな感じでした。」

-最初はSoundCloud繋がりですか？

BHS Svve
「そうですね。でもそこでは会話はほぼなくて、音だけを先に“こういう人がいる”って知ってただけで。会話したのはもうちょっと後かなって。」

互いの曲のファーストインプレッション

-曲を聴いた時、どういう感想やイメージを受けましたか。お互いの曲に対して。

BHS Svve
「北海道って、若いとどうしても閉鎖的というか。他県に行くための交通費も出せないし、情報もわかんない状況で。
ヒップホップっていうと、ブルーハーブみたいな“源流”の観念が強いじゃないですか。それはそれでめちゃ好きだったけど、ずっとギャップに悩んでて、“自分はそういうのじゃないしな”って思ってたんです。
その時に、カイトくんの曲を初めて聴いて……日常を切り取ってやるみたいなところのかっこよさで、固定概念が変わりました。衝撃でした。」

Gokou Kuyt
「俺は、世界中でこいつが一番ラップうまいって思ってるんですよ、マジで。
MCバトルの動画も観たことあるんですけど、硬派なラップもめちゃくちゃできるし。
でも俺がSoundCloudで最初に聴いた時、結構メロディアスで、ボーカルのキー上げてたような曲だった気がして。“え、こういうこともするんだ、この人”って。友達から聞いてたイメージが“MCバトルめっちゃ強い”だったから、意外でした。
それで（後に）アルバムを聴いて本気でくらって、そこから普通に普段聴いてるって感じです。」

-互いの最新作から、1曲選ぶなら何ですか？

-お互いの作品はもう聴かれてると思います。相手のアルバムから“好きな曲”を挙げるならなんですか？

BHS Svve
「僕から言っていいですか。カイトくんの『Ain’t Gang』は、アルバムとしては多分ファーストですよね。
結論から言うと、1曲目の“AIN’T GANG INTRO”が一番好きです。理由はいろいろあって。
前作がたぶん1年前ぐらいのリリースで、その前って結構空いてたと思うんですよ。
そこからしばらく会えてなくて、“活動どうなってるんだろう”って思ってたら、急に“もうAin’t Gangできてるよ”って。しかも全曲DJ UPPERCUTのプロデュースでやるって聞いて、“え、マジか”って。
先行で何曲か聴かせてもらってたけど、改めて出た時に、東京シャーマン周辺の頃からの気持ちの動きとか、‘Gokou Kuytっていうアーティスト像’を、冒頭でバンって出してくる衝撃があって。アルバム始まるぞ、っていうインパクトも含めて、1曲目が一番好きです。」

Gokou Kuyt
「めちゃめちゃいい感想だな……俺、答えられるかな。
俺は“やすらぎ”が、俺が入ってるっていうのもあって一番好き。
あと、“奇しき赫耀”みたいな曲が、俺の中で“BHS Svveって感じ”がする。今までもこういう曲あったけど、なんか……
それと、MVになってる曲（“10XL”）みたいに、Jロックっぽいエモーショナルなリリックで、心に刺さるメロディの曲もあって。
今までよりスタイルの幅が広がったのかなって、単純に思いました。」

共同制作「やすらぎ」について

-一緒に作られた楽曲、“やすらぎ”はどういう流れで決まりましたか？

BHS Svve
「なんでだっけ……。
昨年リリースされてたカイトくんのミックステープにも、プロデューサーのWTHRがいて、プロジェクトとしては“誰か呼びたいね”って流れがあったんですけど、そりゃまずここだろうってなって。
ビート作ってもらって投げて、お互いバース投げて、その後スタジオ行きましたよね。EVOEL STUDIO。
当日、元のビートはあったんですけど、“6度上げた方が良くない？”ってなって。デモのデータは全部使わないで、6度上げたビートでスタジオで録ってできました。」

-アルバムの中ではどういう立ち位置ですか？

BHS Svve
「今回、意図的に客演を減らしてる部分もあるんですけど、リードとしては“10XL”と“やすらぎ”が二大かなと思ってて、あと“Login”。その3曲が特に気に入ってます。
スタイルの幅を広げようと思って作ったアルバムなので、“今までやってないことをやろう”って作ってて、“やすらぎ”はそれがうまくできた。アルバムの中で“こういう作品だよ”っていう曲になってると思います。」

アルバム制作の核、タイトルに込めたものを順番に伺えますか？

BHS Svve
「『Pop Dilemma』って、タイトル通り“ジレンマ”です。
生きてる上でも制作する上でも、矛盾を感じることが多くて。
ポップスのかっこよさと、ヒップホップのかっこよさって、僕の中では割と相反すると思ってる。でもどっちも好きで、どっちも手に入れるのは難しい。
それって音楽だけじゃなくて、死にたいって言っても生きたい日があったり、痩せたいけど食べちゃうとか、めっちゃあるじゃんって。みんな抱えてるだろうなって。
で、それって“ただの現象”でもある。でも、それに抗うこと自体がかっこいい、尊い、って思って。
感じた矛盾に抗うことが“かっこいいんだよ”、それがポップなんだよ、っていうのを表現しようと思って作りました。」

Gokou Kuyt
「『Ain’t Gang』って、ギャングじゃないよってだけなんですけど。
中学生ぐらいからヒップホップへの憧れがあって、怖いことをラップしてたり、ハードなバックグラウンドがあって、リアルを歌ってる人がずっと好きだった。
でも自分はそういうバックボーンがない。ある程度幸せな家庭で、人並みの生活を送ってきた。だから歌うことが平凡だったりして、ヒップホップできないのかな、って思ったりもして。
その“リアルじゃないんだろうな”みたいなものを抱えながらやってたけど、ある時、悪いことを歌ってる人たちも生活の一部を切り取って歌ってるんじゃないか、って。
切り取って歌う行為がヒップホップなんだって思えた。ギャングじゃないけど、ヒップホップだよ、っていうアルバムを作りたいって思いました。
で、デモをDJ UPPERCUTに送ったら“やりたい”って言ってくれて、そこから全部ビートを作ってくれて。
“ほとんどの人は普通の生活してる。だからカイトがやってることは共感を得れると思う”って言ってもらって、勇気が出たというか、やるべきことが見えた感じです。」

リリースパーティが“スーパー”な理由：

-イベントのブッキングはお二人で？

Gokou Kuyt
「二人でやってます。」

-どういう流れでこのラインナップになりましたか？

BHS Svve
「最初は、アルバムの時期が近いから一緒にリリースパーティーやろうって流れで。そこから“特別なでかいリリパ”にしようってなりました。
お互いの周りで親交が深いアーティストをいっぱい呼んで、盛大にやろうって動きで。
たぶんカイトさんの周りと僕の周りって、ちょっと世代がずれてて。カイトさんはトーキョーシャーマン周辺の道で切磋琢磨してきた人たちで、僕は上京した2022年以降にDEMONIA周辺で友人関係ができた。
でも深い友人たちを呼んだら、主軸はリリパだけど、クロスオーバー的に特別なイベントになると思ってブッキングしました。」

「この日だけは俺らが主役」——先輩への敬意と、越える気持ち

-共通で意識したテーマはありますか？

Gokou Kuyt
「釈迦さんとか、俺からしたら師匠みたいな大先輩で。正直まだ何も勝ててないって思ってる。
でもこの日は、俺の方がライブのケツなんですよ。主役だから。
この日だけは、誰よりも“俺らが主役になりたい”ってテーマが俺の中ではあります、勝手に。」

BHS Svve
「僕もほぼ同じ気持ちで。僕はその前に置かせてもらってるんですけど、リリースパーティーだから自分が主役だぞって思いで臨む。
同時に、憧れてた人たちと一緒にできる光栄さもあるし、DEMONIA周辺で一緒にやってきた仲間たちが“お祝い”で出てくれてる。だからライブで“答えなきゃいけない”って思ってます。」

1/11は“ジャンプアルティメットスターズ”な日

-お客さんに感じてほしいことは？

BHS Svve
「まず、揃うこと自体がだいぶスペシャルだと思うので、それを楽しんでほしい。
あと、揃うってことは、客演曲を客演の方と一緒に見れる可能性が高い。一日でそれが起きるのってなかなかない。ワンマンじゃないと見れないことが起きるんじゃないかなって。」

Gokou Kuyt
「自分たちで打ったイベントだから尺も長い。普通のショーケースだと新しいアルバムの曲だけで終わっちゃうけど、こういう日なら昔の曲もできる。昔の曲聴いてた人も、今の曲聴いてた人も、楽しめるようなライブにしたい。」

BHS Svve
「ジャンプアルティメットスターズってわかります？北斗の拳とワンピースとか、世代が違って、その漫画を知らなくても一緒に戦うのがなんか楽しいじゃないですか。
それと似てて、2017〜18年以降、パンデミック前から後、今にかけてのシーンを好きだった人が見に来たら、オールスター的に楽しめるイベントだと思います。」

リリパ後の動き

-イベントをきっかけに、この後どう動いていきたいですか？

Gokou Kuyt
「とりあえず曲はできてきてるんで、リリパやった後、次がアルバムかミックステープかわかんないけど出していきたい。来年も何かできたらいいなって。」

BHS Svve
「僕もデモだと、もう3〜40曲ぐらいあるんですよ。
『Pop Dilemma』は出したけど、まだジレンマと戦い中というか。今まではこのアルバム出すために2年半ぐらい詰めて作ってたけど、リリパやったら昇華されるかなって思うので、すごいペースで出るかもしれない。
露出増やして、新しい音楽届けられるようにしていこうと思います。」

来場者へメッセージ

BHS Svve
「昔は来てたけど離れちゃった人も、普段から足を運んでくれてる人も、この日ライブ見に来てくれれば絶対楽しめると思います。
僕とカイト君からしても、“今のこの2026年の僕らのいるところ、見えてるもの”を感じてもらえたら嬉しい。」

Gokou Kuyt
「アルバムを作った時の気持ちで、俺らがどこから来てどこを目指してるのか、それが少しでも伝わればいい。
途中経過だけど、今できるベストをみんなに見てほしいです。」

BHS Svve
「ジレンマって、かっこいいけど辛いと思うんですよ。もし何かしら抱えてる人が来てくれるなら、フレックス的な元気づけだけじゃなくて、“みんなそうだし、それがかっこいいよ”っていうのを、イベント通して伝えられたらいいなって思います。」

番外編：お互いに質問

BHS Svve
「服とか、どこで買ってるんですか？」

Gokou Kuyt
「古着ばっかり。高円寺の“深緑”って店で買ったものを着てることが多いかな。」

BHS Svve
「僕、服あんまり自信ないので、今度連れてってください。」

Gokou Kuyt
「深緑もだけど、服屋って意外といろんな服置いてあるから。尖った方向性一つに振り絞った店って、そんなにないよ。」

Gokou Kuyt
「ちなみに近々、MCバトル出る予定ある？まだ気持ちあるの？」

BHS Svve
「予定は立ててないけど、出たくなったら出たい。オファーあったらめっちゃ出たいです。
勢いでエントリーしちゃうんですよね。」

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高円寺の古着屋に通っていた中学生の頃。学校には行けなくても、そこには“好きなことをやってる人”がいて、文化服装学院の存在を知って、服の道を意識した。そう語るのは、20歳のデザイナーが手がけるブランド「Deadbooy」。

ネガティブをそのまま抱え込むのではなく、「ありのままの姿でプラスに変われたらいい」。その感覚を、ゾンビのイメージに重ねて最初のコレクションを組み立てたという。ポップとダークが同居する色使い、異素材のマッチング、そして“着れる服”としての身体性。服の話から、東京のファッション／音楽シーンに対する違和感、そして5年後に見ている景色まで。かなり正直に話してもらった。

-まず、知らない人向けに。ブランドがどういうブランドなのか、コンセプトや、名前の由来をざっくり教えてください。

Deadbooy：中学校の時に、パニック障害とか精神的なことで結構参っちゃった時期があって。その頃、高円寺の古着屋に通ってたんですよ。学校は行けないけど、そこには“好きなことやってる人”がいて、居心地がよくて。文化服装学院があるってことも知って、服の道を目指してみようかなって。

高校は普通に行ってたんですけど、「一度しかないから好きなのやりたいな」と思って、学校入って、ブランド始めたって感じです。マイナスのとこから、ありのままの姿でプラスに変われたらいい。

“死んだやつ”みたいなとこから、ゾンビとして生き返って這い上がる、みたいな意味を込めて「デッドボーイ」。最初のコレクションもゾンビで始まってます。

-作る側に回ろうと思って、ここまで来れてる原動力ってありますか？

Deadbooy：めっちゃ承認欲求が高くて、人が褒められてるとか、結果出してるのが耐えられないタイプなんですよ（笑）。高校の時、幼馴染がダンスのオーディション番組に出てチヤホヤされ始めて、でも俺それ許せなくて。「いや俺でしょ」みたいな。結構“俺が俺が”なんで。

目立たないとステージにも上がれないし、平常心を保てないから、やるしかない。嫉妬してるだけの人だったら終わりだけど、自分は動き続けてる、むしろいい力になってる。結局それがエネルギーかもしれない。みんなカッコつけて言うけど、絶対どっかにあると思います。

-「タグが無い状態で並んでても、これはDeadbooyだ」って分かるサインってありますか？

Deadbooy：色使いと、生地の質感。でかく見えがちだけど、実際見るとめっちゃキュッとしてる、意外にコンパクト、みたいな。ちょっとおもちゃ感というか、ポップさとダークな雰囲気が融合してて、それが心地よく感じる。

尖りすぎてもないけど、どっか許容できる。“みんなの共通のかっこよさ”もちゃんとある。そのバランスが、自分のブランドって分かるポイントです。

-じゃあ、「色を使うな。モノクロしか使うな」って言われたら、どこでDeadbooyらしさが出ますか？

Deadbooy：グラフィックですね。基本自分で作ってて、友達の顔とか、楽しかった時の写真とかから作ってるんです。それを無作為に重ねたりして、抽象化していく。だから、モノクロでも差別化できると思う。

あと、ノリが大事。おばあちゃんのセレブレーションのTシャツみたいな、よくわかんない90sのアメリカ古着っぽい要素。身内ノリって、後年見たときにわけわかんなすぎて面白いじゃないですか。

-服作りって、最初にどこから動き出します？

Deadbooy：コンセプトから決めます。シーズンで決める時もあるし、学生だからコンテストとか“一体”でテーマがある時もある。今作ってるのは、カエルをテーマにしてたり。

25AWは始めたてだったから、「生き返る」を表現したくて。見にくくて汚くて歪で、そういうのをとにかく組み合わせる。でも統一感があって、それがかっこよさに変わってる。人生でも服でも、それを表現したかった。

-インパクトのあるアイテムを発表されていますが、「ここ超えるとやりすぎ」みたいな線引きはありますか？

Deadbooy：日常的に着れないものはあんまり好きじゃない。大きすぎるとか、体にフィットしてない服って、ショーだとあるけど。服って身に着けるものだから、そこは絶対意識してます。

あと、アートになりすぎる“価値観の押し付け”は違う。見る人が想像できる余地があるほうがいいし、主体は人にあるべき。考えさせられるけど、解釈を強制しない、みたいな。

-何年後でも動かさない軸は？

Deadbooy：「汚い負のものからプラスに変わる」っていうのはぶらさない。異素材とか、本来使われないもの同士のマッチングも外さないと思う。ポップコーンとカットソーを混ぜる、みたいな、ああいう感覚は続けたい。

-5年後、どうなっていたいですか？

Deadbooy：パリコレを越すようなファッションのムーブメントを起こしたい。東京ドームで単独のコレクションファッションショーをやる。4万人動員で、社会現象みたいにしたい。

そうなったら、いらないしがらみとか人脈とかが全部なくなる気がしてて。見たいから来る、バイヤーが勝手に来る、みたいな状態。ランウェイだけじゃなくて、舞台っぽい総合演出でもいいけど、服が主体で全部広げていくと思います。

-最近「報われたな」って思えた瞬間ってありました？

Deadbooy：この前、服を通して海外に2ヶ国行って、中国と台湾に。ブランドの服着て、友達と美味しいもの食べて、そういう日常が服を通してできたのが嬉しかった。

コンテストで賞金もらって、めっちゃいい中華屋行って、みんなにご馳走して。高校の時から一緒にやってきたから、いろいろ思うところがあって。手紙も書いたんですよ。みんなエモくなって泣く、みたいな。始めた時は友達いない感じだったから、今こうなってるのが不思議。ブランドを通して“ずっと一緒にいる仲間”ができたのが一番嬉しいかもしれないです。

-東京のファッションシーン、どう見てます？

Deadbooy：正直、他あんまり興味なくて知らないです。でも、やりすぎなものが多い。尖ればいい、みたいな。「服知ってんの？」って思うやつが多い。

人生かけてない、生き様が感じられない。

日本のデザイナーのほとんどが俺には刺さらない。勢いがないというか、レールの上の尖りって感じ。売って売れて儲けて終わり、その先が見えない。カルチャーがない、って思っちゃいます。

-逆に好きなブランドは？

Deadbooy：「99%is」が大好きで、そのブランドの服しか持ってないです。あそこはチームみんなでブランドを大事にしているし、仲間が何十万で売られている自分達のブランドの服を軽々着て焼肉に行ったり、フェスに行ったり日常が感じられるflexをしてるのがヤバいなと思っています。

海賊感というか、チームで身内ノリを貫く。地元のパンクバンドの写真を、パロディっぽく使ったり、そういうノリもかっこいい。受けを気にしない。尖っているけど“着れる範囲の尖り”なのも好きです。色使いも集めたくなる。

 

 

 

 

 

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-音楽との関わりも意識的ですよね。衣装提供も含めて。

Deadbooy：あえてやってます。服だけじゃ伝えきれないところがある。服は言葉じゃないから、届かない部分がどうしてもある。自分がかっこいいと思うアーティストと絡むことで、伝わったらいいなって。かっこいい人に提供してます。

-東京の音楽シーンはどう見ていますか？

Deadbooy：ビート勝ちというか。サンプリングも、例えばボカロからのサンプリングとかよくあるけど、エモさとかピュアさって1から作り出すべきじゃない？って思っています。

元の曲が持ってた感情をそのままビートに流して、入りやすくしてるだけ、みたいな。それでも信念があれば全然好きだけど、間違えちゃってる人が多い気がする。あと、嘘つきが多い。ギフティングした服をリサイクルショップに売られたこともあって……言ってることとやってることが矛盾してる人がいる。本当のことを歌ってない人も多いと思う。

でも、仲間のことを思って動いて、本物として届く人が増えたらいいなって。音楽に限らず、何にでも言えるけど。

彼が何度も見せたのは、逃げずに守り続ける姿勢だった。汚さや歪さを肯定するのに、独りよがりにならない。尖りの表現をしながら、非日常が日常に戻る導線を絶対に切らない。ムーブメントの話が荒唐無稽に聞こえないのは、その「身体性」への執着が、言葉の端々から見えてくるからかもしれない。

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